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English to Portuguese: Art & Literature General field: Art/Literary Detailed field: Art, Arts & Crafts, Painting
Source text - English 1. Cylindrical Box, ca. 950–75 (1970.324.5)
NARRATOR: The hollow cylinder that forms this container was cut from an elephant's tusk – it's made of ivory, like many other objects here in the Treasury. This example was carved by a master craftsman from southern Spain, which was ruled by a Muslim dynasty in the tenth century. European Christians prized ivory carvings like this one for the refinement of the workmanship as well as the rarity of the material. In all likelihood, this box was acquired by a church sometime after it was made, perhaps through trade or during the Christian reconquest of Spain. It would then have been preserved in the church treasury, along with other valued objects.
The ornamentation on the box has all the richness of a densely-patterned carpet. An intricate vinescroll repeats around the surface, and you can see it has a symmetric design, with pairs of animals that are mirror images of each other arranged around it. Look at the way the leaves and stems fill the space between the animals, and notice the deep cutting of the relief, which surrounds the raised forms with darkness. There's much fantasy in the design as well – note the relative sizes of the animals, with the birds so much larger than the gazelles and lions beneath them.
2. Plaque with censing angels, ca. 1170–80 (2001.634)
NARRATOR: This exquisite panel was made for a richly adorned cross, probably more than six feet tall, that stood on the altar of a great monastic church. In place on top of the cross, only the bold outlines of the figures on this little panel would have been visible. Yet the artist lavished thought and care on every detail, to moving and wonderful effect.
Look, for instance, at the wings of the two angels: it would have been enough to make the feathers one color, but here you see white, red, green, and three different shades of blue. Gold lines separate the colored sections, and the artist has enriched each one with dots. The gold lines constitute the edges of tiny troughs that were filled with colored glass; this technique is called champlevé enamel. The jewel-like richness of the medium is fully exploited: look at the swirling pattern that fills the golden space around the angels. But this object also displays enamel's expressive potential: the angels each show distinctive hand gestures and a different inclination of the head. Their chalky white faces have deep blue sunken eyes and quiet expressions. They are mourning the death of Christ, who appeared beneath this panel on the original cross. The censers they swing perfume the air and sanctify the event.
3. Roundel with Scenes of the Attack on the Castle of Love, ca. 1320–40 (2003.131.1)
NARRATOR: This fourteenth-century ivory presents a favorite metaphor in medieval poetry: love is an assault made by men on a fortress defended by women. But, as you can see, the attack is not a violent one, and the defense is more of a welcome. At the top, in the center, Cupid is launching an arrow to strike the human company with love. Beside him, on the left, a knight embraces a lady, and on the battlements below are other loving couples. A lady in the center of the image empties a basket of flowers on the men below, and other ladies in the windows brandish flowers too. At the bottom of the relief, knights ride up on horseback, and one on the left stands on his horse to take his lady's face in his hands. The scene transforms the features of siege warfare into a vision of courtly love.
Secular subjects like this were a specialty of Parisian ivory-carvers, who used them to decorate mirrors, combs, and small boxes, or coffrets, for an aristocratic clientele.
4. Bust of the Virgin, ca. 1390–95 (2005.393)
NARRATOR: The material of this unusual sculpture is terracotta, that is, baked clay. In the middle ages, terracotta was used for ordinary things like tableware and roof tiles, but also for works of art of the highest quality – such as this bust of the Virgin. It's an extremely rare example of terracotta sculpture; it is in fact the only known work in the medium from medieval Prague, which emerged as one of the great artistic capitals of Europe in the fourteenth century.
Look at the remarkably delicate handling of the clay, and the wonderful likeness to life that it achieves: you can see it in the soft waves of the hair, the fine modeling of the face, and the folds of cloth in the veil and cloak. In the crown, the leafy ornaments on each point have the pliancy of real leaves. The face is smooth and youthful, with a quiet, introspective look, and the features are enhanced with painted colors.
Large sculpture in terracotta was made in sections, but this is the only piece that survives from this work. The whole statue might have shown the Virgin seated or standing, holding the Christ Child.
5. Paten with Abraham and Melchizedek, 1498 (2008.278)
NARRATOR: Think about the stages of making an oil painting: you begin with the darkest layers and build up, finishing with white highlights, like the glint in someone's eye. This astonishing object is also a painting, but it was made in the opposite order: the painter applied the highlights first to a roundel of glass, and then applied the darker colors of the figures and the landscape on top. Three different metallic foils are also used, and the result is a dense and complicated scene replete with glittering details.
Look closely at the dark lower portion, and you'll discern a large group of figures in a scene from Hebrew scripture. On the bottom right is Melchizedek, the high priest, holding a chalice and wearing a crown and sumptuous robes. Opposite him is Abraham, fresh from victory in battle: he kneels and folds his hands, and behind him is a band of soldiers clothed and armed like German mercenaries.
At the close of the fifteenth century, there was a distinctive taste for images of almost unimaginable refinement and technical difficulty, and this object indulges that taste. It was probably used only for display, but it has the form of a paten, a dish for the consecrated bread of communion. The subject is appropriate: in the story, Melchizedek gives Abraham bread and wine and a blessing, and Christian interpreters regarded this scene from their “Old Testament” as a model for the sacrament of communion instituted by Jesus at the Last Supper.
6. Gathering Manna, 1497–99 (2010.22.1, .2)
NARRATOR: These two panels of stained glass were made around 1497 as part of a large window in a church in Munich. Both scenes include figures in exotic costumes and inventive poses. In the panel on the left, in the upper left corner, there's a man in a red and yellow turban, and in the lower right corner, there's a man in a hat looking up at the heavy dish he holds above his head. These figures are unusual, and resemble paintings by an artist named Jan Pollock. The designer of these windows likely based his figures on Pollock's, following the lead of painting. The stained glass shows other painterly features also: look at the fine modeling of the faces, for example, which was achieved by painting on the glass.
The workshop that made these windows was headed by Friedrich Brunner, who was skilled in the most sophisticated techniques of the time: the glass is very thin and admits abundant light. As is typical in stained glass, each panel is made of pieces of different colors fitted together with lead. But consider the way the pieces were cut here: if you look at the panel on the right, in the lower left corner, you'll see three yellow flowers, each one a circle, set in a circle pierced in the green glass.
7. The Falcon's Bath, ca. 1400–1415 (2011.93)
NARRATOR: Hunting was a favorite pursuit of aristocrats throughout the middle ages – the Unicorn tapestries celebrate it, and so does this example. At the center of the scene are a lady and gentleman with courtiers, all magnificently dressed. They're gathered around a basin of water, and the man in blue is holding a falcon over it – this is meant to be the falcon's bath. The falcon is surely trained for the hunt, and the four figures in the corners are training other falcons for this purpose – one perches on a man's hand in the lower left corner, and a lady holds another on the lower right.
This tapestry was made in the first years of the fifteenth century, long before the Unicorn tapestries, and it's remarkable because so few tapestries from that time survive. Amazingly, it's also in excellent condition – notice the freshness of the colors, the rich red in the sumptuous costumes and the deep blue ground, scattered with delicate flowers and birds in flight. The scene gives a vivid sense of courtly life in the fifteenth century, with all its refinement and charm. It suggests the atmosphere of a nobleman's hall, just the sort of setting where this tapestry once hung.
8. Medallion with the Face of Christ, ca. 1380–1400 (2011.503)
NARRATOR: The luminous material of this striking medallion is Baltic amber, a fossilized material from tree resin. Amber prayer beads were widely used, but objects of this size and refinement were and are exceptionally rare: this is one of only three known examples of its kind. It probably belonged to someone of high rank.
The image is meant to foster private prayer and meditation. According to tradition, a face like this appeared on the cloth that Saint Veronica used to wipe Christ's face on his way to crucifixion, and it became an object of devotion; by the late 1300s, when this work was made, veneration of the Holy Face was widespread and quite official, so much so that the church added feast days dedicated to it. The amber material makes this image of the Holy Face particularly impressive; the light passing through the translucent, honey color gives a numinous glow to the face and the halo around it.
In antiquity and the middle ages, amber was abundant in the forests around the Baltic Sea. This object was likely made in present-day Poland, by craftsmen skilled in carving the region’s amber.
9. Evangelists Mark and Luke, ca. 1220–30 (2012.70.1, .2)
NARRATOR: These two engaging figures dating from about 1220 are busy writing: each one holds a pen in his right hand, and a scraper in his left, to rub out mistakes. The tools are quite like those that medieval scribes, many of them monks, used to make manuscript books. But these writers are two of the evangelists, who wrote the accounts of Jesus' life in the New Testament. Mark, on the left, wears an approximation of Roman costume and looks physically energized by his work, with one leg crossed over the other. Luke, on the right, wears a robe with full sleeves and takes a more restful pose, with his feet planted flat in front.
Although their most famous works are their gospels, Mark and Luke are not shown writing them here: what's shown is actually a Latin text whose author is unknown today – a reminder of how much we don’t know about the middle ages. The text on Mark's desk relates to a legend about his animal symbol, the lion, and Luke is writing similar words about his symbol, the ox.
Like so many other objects in this gallery, these are precious fragments of a larger work that no longer survives, an altar frontal from a uniquely splendid monastery in France.
10. Christ Child with an Apple, ca. 1470–80 (2012.449)
NARRATOR: In the middle ages, a popular form of devotion to the Christ Child involved caring for a statuette as though it were a living child; many of these statuettes are very modest works, but this one is an accomplished creation. The sculptor who carved it achieved a remarkable likeness to life: look at the softness of the flesh, the animation of the pose, and the texture of the curly hair. The painter who colored the surface enhanced the look of life still more, and even the apple in the Child's hand shows the colors of nature. Most of this paint is original, and remarkably well preserved: the hair still shows traces of gilding, and the flesh has a glowing freshness. This degree of naturalism indicates a high level of art, but it also expresses the statuette's purpose as a devotional object: if it seems like a real child, it succeeds in helping the faithful viewer experience the Christ Child.
In the fifteenth century, this kind of devotion was widely practiced in female religious communities; nuns made clothes for statuettes like this and contemplated the crib where the Child lay – one of these cribs is in the Metropolitan's collection, at the main building on Fifth Avenue.
Translation - Portuguese 1. Caixa Cilíndrica, ca. 950-75 (1970.324.5)
NARRADOR: O cilindro oco que forma este recipiente foi escavado de uma presa de um elefante — é feito de marfim, como muitos outros objetos aqui do Tesouro. Este exemplo foi esculpido por um mestre artesão do sul da Espanha, que era governada por uma dinastia muçulmana no século X. Os cristãos europeus valorizavam esculturas de marfim tanto pelo refinamento da obra quanto pela raridade do material. Provavelmente, esta caixa foi adquirida por uma igreja pouco depois que ela foi feita, talvez através do comércio ou durante a reconquista cristã da Espanha. Ela teria então sido preservada na tesouraria da igreja junto com outros objetos de valor.
A ornamentação na caixa tem toda a riqueza de um tapete densamente modelado. Um complexo arabesco se repete em torno da superfície, e você pode ver que ele tem um traçado simétrico, com pares de animais que são imagens idênticas organizadas a seu redor. Olhe para a forma em que as folhas e caules preenchem o espaço entre os animais e observe o corte profundo do relevo que envolve as formas criadas com a escuridão. Também há muito de fantasia no projeto — observe a desproporção do tamanho dos animais, com os pássaros muito maiores do que as gazelas e leões abaixo deles.
2. Placa com os Anjos Usando Incensário, ca. 1170-80 (2001.634)
NARRADOR: Este primoroso painel foi feito para uma cruz ricamente adornada, provavelmente com mais de seis metros de altura, que ficava no altar de uma grande igreja monástica. Localizado acima da cruz, apenas os contornos ousados das imagens deste pequeno painel eram visíveis. No entanto, o artista esbanjou criatividade e cuidado em cada detalhe para obter um efeito comovente e maravilhoso.
Olhe, por exemplo, para as asas dos dois anjos: teria sido o suficiente usar uma cor para colorir as penas, mas aqui você vê branco, vermelho, verde e três tons diferentes de azul. As linhas douradas separam as seções coloridas e o artista enriqueceu cada uma com pontos. As linhas douradas constituem as arestas de pequenas depressões, que foram preenchidas com vidro colorido; esta técnica é chamado de esmalte champlevé. A riqueza do acabamento no centro é totalmente explorada: olhe para o padrão de rotação da roda que preenche o espaço dourado ao redor dos anjos. Porém, esse objeto também mostra o potencial expressivo do esmalte: cada anjo mostra gestos distintos e uma inclinação diferente da cabeça. Seus rostos brancos como giz têm olhos encovados de um azul profundo e expressões tranquilas. Eles estão de luto pela morte de Cristo, que apareceu sob este painel na cruz original. Eles balançam os incensários para perfumar o ar e santificar o evento.
3. Medalhão com Cenas de Ataque ao Castelo do Amor, ca. 1320-40 (2003.131.1)
NARRADOR: O marfim do século XIV apresenta uma metáfora muito frequente na poesia medieval: o amor é um assalto feito por homens em uma fortaleza defendida por mulheres. Mas, como você pode ver, o ataque não é violento, e a defesa é mais que bem-vinda. No topo ao centro, Cupido está lançando uma flecha para atacar homens e mulheres com amor. Ao lado dele, à esquerda, um cavaleiro abraça uma senhora, e sobre as barricadas estão outros casais apaixonados. Uma senhora no centro da imagem esvazia uma cesta de flores nos homens abaixo, e outras senhoras nas janelas exibem flores também. Na parte inferior do relevo, cavaleiros galopam a cavalo, enquanto outro à esquerda está em seu cavalo segurando o rosto de sua mulher em suas mãos. A cena transforma as características da guerra de cerco em uma visão do amor cortês.
Assuntos seculares como este eram uma especialidade de escultores de marfim parisienses, que os usavam para decorar espelhos, pentes, e pequenas caixas, ou coffrets, para uma clientela aristocrática.
4. Busto da Virgem, ca. 1390-95 (2005.393)
NARRADOR: O material desta escultura incomum é de terracota, isto é, barro cozido. Na Idade Média, a terracota não era apenas usada para coisas comuns, como louças e telhas, mas também para obras de arte da mais alta qualidade — como este busto da Virgem. Este é um exemplo extremamente raro de escultura de terracota. Na verdade, é a única obra conhecida da Praga medieval, que surgiu como uma das grandes capitais artísticas da Europa no século XIV.
Observe o uso extremamente delicado do barro e note a semelhança maravilhosa com a vida que ele consegue obter: você pode notá-lo nas ondas suaves do cabelo, na modelagem fina do rosto, e nas dobras de pano no véu e no manto. Na coroa, os ornamentos de folhas em cada ponto têm a suavidade das folhas reais. A face é suave e jovem, com um olhar introspectivo e tranquilo, e as características são reforçadas com cores pintadas.
Grandes esculturas em terracota eram feitas em seções, mas esta aqui é a única peça que sobreviveu deste trabalho. A estátua inteira talvez mostrasse a Virgem sentada ou em pé segurando o Menino Jesus.
5. Patena com Abraão e Melquisedeque, 1498 (2008.278)
NARRADOR: Pense nas etapas para fazer uma pintura a óleo: você começa com as camadas mais escuras e imagens, terminando com destaques em branco, como o brilho nos olhos de uma pessoa. Este objeto surpreendente também é uma pintura, mas foi feita na ordem inversa: o pintor aplicou primeiro os destaques em um medalhão de vidro e, em seguida, as cores mais escuras das figuras e a paisagem no topo. Três diferentes lâminas metálicas foram também usadas e o resultado é uma cena densa e complexa repleta de detalhes brilhantes.
Olhe atentamente para a parte escura inferior e vai perceber um grande grupo de imagens em uma cena de escritura hebraica. No canto inferior direito está Melquisedeque, o sumo sacerdote, segurando um cálice e usando uma coroa e vestes suntuosas. Do lado oposto está Abraão, que chegou recentemente de uma vitoriosa batalha: ele se ajoelha e cruza as mãos e atrás dele há um grupo de soldados vestidos e armados como mercenários alemães.
No final do século XV, havia uma percepção distinta para imagens de requinte e dificuldade técnica quase inimagináveis e esse objeto se entrega a essa percepção. Provavelmente foi utilizado apenas para exibição, mas tem a forma de uma patena — um prato para o pão consagrado da comunhão. O assunto é apropriado: na história, Melquisedeque oferece a Abraão pão e vinho e uma bênção, e intérpretes cristãos consideraram esta cena de seu "Antigo Testamento" como um modelo para o sacramento da comunhão instituída por Jesus na Última Ceia.
6. Colhendo Maná, 1497-1499 (2010.22.1.0,2)
NARRADOR: Esses dois painéis de vitrais foram feitos por volta de 1497, como parte de uma grande janela em uma igreja de Munique. Ambas as cenas incluem figuras em trajes exóticos e poses inventivas. No painel do lado esquerdo, no canto superior esquerdo, há um homem com um turbante vermelho e amarelo e no canto inferior direito há um homem com um chapéu olhando para o prato pesado que ele segura acima de sua cabeça. Estas figuras são incomuns e se assemelham a pinturas de um artista chamado Jan Pollock. O designer destas janelas provavelmente baseou suas imagens nas de Pollock, seguindo o exemplo da pintura. O vitral mostra também outras características pictóricas: olhe para a fina modelagem das faces, por exemplo, que foi conseguida através da pintura sobre o vidro.
A oficina que fez essas janelas era dirigida por Friedrich Brunner, que era hábil nas técnicas mais sofisticadas da época: o vidro é muito fino e permite luz abundante. Como é típico em vitrais, cada painel é feito de peças de cores diferentes montadas com chumbo. Mas considere a forma como as peças foram cortadas aqui: olhando para o painel à direita, no canto inferior esquerdo, você verá três flores amarelas, cada uma com um círculo, dispostas em um círculo perfurado no vidro verde.
7. O Banho do Falcão, ca. 1400-1415 (2011.93)
NARRADOR: A caça era um dos passatempos favoritos de aristocratas durante a Idade Média — as tapeçarias do Unicórnio a celebram, assim com esta obra. No centro da cena há uma dama e um cavalheiro com cortesãos, todos magnificamente vestidos. Eles estão reunidos em torno de uma bacia de água e o homem de azul está segurando um falcão sobre ela — que serviria para dar o banho no falcão. O falcão era certamente treinado para a caça, e as quatro imagens nos cantos estão treinando outros falcões para essa finalidade — um está empoleirado na mão de um homem no canto inferior esquerdo, e uma senhora segura outro falcão no canto inferior direito.
Esta tapeçaria foi feita nos primeiros anos do século XV, muito antes das tapeçarias do Unicórnio. Ela é ainda mais notável porque muito poucas tapeçarias da época sobreviveram. Surpreendentemente, ela também está em excelente estado de conservação — note o frescor das cores, o vermelho rico nos trajes suntuosos e o piso azul profundo, cercado por delicadas flores e pássaros em voo. A cena dá uma sensação nítida da vida da corte do século XV, com todo o seu requinte e charme. Ela sugere a atmosfera de um salão nobre, exatamente o tipo de cenário onde esta tapeçaria ficava pendurada antigamente.
8. Medalhão com o Rosto de Cristo, ca. 1380-1400 (2011.503)
NARRADOR: O material luminoso deste impressionante medalhão é âmbar báltico, um material fossilizado de resina de árvore. Rosários de âmbar eram amplamente utilizados, mas os objetos deste tamanho e requinte foram e são excepcionalmente raros: este é um dos três únicos exemplos conhecidos de sua espécie. Provavelmente pertencia a alguém de alto escalão.
A imagem se destina a promover a meditação e oração privadas. Segundo a tradição, um rosto como este apareceu no pano que Santa Verônica usava para limpar o rosto de Cristo a caminho da crucificação e tornou-se um objeto de devoção. No final do século XII, quando este trabalho foi feito, a veneração da Santa Face foi generalizada e oficial, tanto assim que a igreja acrescentou dias de festa dedicados a ele. O material âmbar torna esta imagem da Sagrada Face particularmente impressionante; a luz que atravessa a cor de mel translúcida dá um brilho numinoso ao rosto e à aureola ao redor.
Na Antiguidade e na Idade Média, o âmbar era abundante nas florestas ao redor do Mar Báltico. Este objeto foi provavelmente feito na atual Polônia por artesãos especializados em escultura de âmbar da região.
9. Os Evangelistas Marcos e Lucas, ca. 1220-1230 (2012.70.1.0,2)
NARRADOR: Estas duas figuras cativantes que datam de cerca de 1.220 estão ocupadas escrevendo: cada uma delas segura uma caneta em sua mão direita e um raspador na esquerda para apagar erros. As ferramentas são quase similares àquelas que os escribas medievais, muitos deles monges, usavam para fazer livros manuscritos. Mas esses escritores são dois dos evangelistas que escreviam as narrativas da vida de Jesus no Novo Testamento. Marcos, à esquerda, usa um tipo de vestimenta romana e parece fisicamente fortificado por seu trabalho, com uma perna cruzada sobre a outra. Lucas, à direita, usa uma túnica com mangas compridas e tem uma postura mais tranquila, com os pés plantados na frente.
Apesar de que suas obras mais famosas são seus evangelhos, Marcos e Lucas não aparecem aqui escrevendo-os: o que é mostrado é realmente um texto em latim, cujo autor é atualmente desconhecido – um lembrete do quanto não sabemos sobre a idade média. O texto sobre a mesa de Macos se refere a uma lenda sobre seu símbolo animal, o leão, e Lucas está escrevendo palavras semelhantes sobre o seu símbolo, o touro.
Como tantos outros objetos nesta galeria, estes são fragmentos preciosos de um trabalho maior que já não existe mais, um frontão do altar de um esplêndido mosteiro na França.
10. O Menino Jesus com uma Maçã, ca. 1470-80 (2012.449)
NARRADOR: Na Idade Média, uma forma popular de devoção ao Menino Jesus envolvia cuidar de uma estatueta como se fosse uma criança viva; muitas dessas estatuetas são obras muito modestas, mas esta é uma criação especializada. O escultor alcançou uma semelhança notável com a vida: olhe para a maciez da carne, a animação da pose e a textura do cabelo encaracolado. O pintor que coloriu a superfície aumentou a aparência da vida ainda mais, e até mesmo a maçã na mão da criança mostra as cores da natureza. A maior parte dessa pintura é original e está muito bem preservada: o cabelo ainda mostra vestígios de douramento e a carne tem um frescor brilhante. Este grau de naturalismo indica um alto nível de arte, mas também expressa o propósito da estatueta como um objeto de devoção: se ela se parece como uma criança real, consegue ajudar o visitante fiel a experimentar o Menino Jesus.
No século XV, este tipo de devoção foi amplamente praticada em comunidades religiosas femininas; as freiras criavam roupas para estatuetas como esta e contemplavam o berço onde o menino estava deitado — um desses berços está na coleção do Metropolitan, no edifício principal da Quinta Avenida.
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